Publicidad & Cine

El nuevo corto de mi hermano para la universidad. El ejercicio era un corto sobre la condición humana, o, en otras palabras, como le explicarías a un extraterrestre lo que es un ser humano. Mi hermano ha tenido la brillante idea y ha escrito el guión. Mi mano invisible a retocado cuatro cosas y ha hecho el montaje que no es gran cosa si tenemos en cuenta que se trata de un plano fijo.

La colaboración promete, hermanos Coen temblad.

No se ni por donde empezar, el cinismo de este film sobrepasa mi entendimiento, estoy anonadado. Si uno no se fija sale del cine sin demasiadas discrepancias. Esto es porque el mensaje final es políticamente correcto. Pero antes, a lo largo del film, se nos ha ido inoculando un veneno imperceptible de bondadoso racismo, odio ideológico y desprecio absoluto por la vida humana. Y todo eso sin que se nos encienda ninguna alarma en la cabeza. El ejercicio es, de alguna manera, admirable.

Y es que la perversidad de esta obra radica en el propio punto de partida. Se trata de una comedia basada en unos hechos reales, en este caso una guerra. ¿Y quién ha dicho que algo así no se pueda hacer? Encontramos un maravilloso precedente como M.A.S.H. de Robert Altman. El problema es que esta película no aborda la guerra como un acontecimiento absurdo del que reírse por no llorar. Aborda la guerra a nivel estratégico. El tono cómico lo pone el tratamiento de los personajes. Unos personajes que lejos de ser histriónicos o por lo menos malignos siguen a rajatabla el canon hollywoodiense y, como no podía ser de otra manera, nos caen bien. Por tanto lo que ocurre es que nos vemos sonriendo ante comportamientos absolutamente deleznables tratados con pasmosa normalidad.

El film trata sobre la guerra entre Afganistán y la Unión Soviética, y la financiación que proporcionaron EEUU a los afganos para decantar la balanza. Se nos vende este penoso capítulo de la historia americana no como una necesaria decisión estratégica sino como una acertada acción humanitaria..

Tom Hanks y Julia Roberts ponen rostro a los protagonistas. El primero es un político con una visión bastante interesada de la democracia, y la segunda una acaudalada mujer sureña con todas las virtudes del tópico: ultra religiosa y anticomunista visceral. De hecho, el film parece respaldar en todo momento este odio ideológico propio del Mccarthismo con expresiones tales como “vamos a matar comunistas” (para nuestros queridos protas no se trata de derrocar una de las peores dictaduras de la historia de la humanidad, sino de eliminar sujetos contaminados por una ideología y hacer prevalecer el maravilloso modelo capitalista).

¿Y cómo se justifica la absoluta perversidad de dar armas a radicales extremistas? Como hemos dicho no es suficiente con mostrarlo como una decisión puramente estratégica, sino que ha de haber un toque sentimental, en este caso una indignante visita a un campo de refugiados afgano. De modo que el objetivo oficial de Charlie Wilson es derrocar a los comunistas, pero de cara al espectador la motivación real es salvar a esa pobre gente que se está muriendo… por favor. El colmo de la demagogia lo alcanza C. Wilson cuando nos dice, con cara muy sería, que “esa gente está muriendo por nosotros y no lo podemos permitir” (y por eso en vez de enviar al ejército les damos armas para que maten un poco antes de morir). Si a eso le añadimos el barato alegato pro democracia con final didáctico que le suelta Charlie Wilson a su secretaria el resultado es un sujeto penósamente cínico, o bien llanamente estúpido.

Podríamos continuar pero creo que con esto ya hemos resaltado los puntos más problemáticos. Salvando estas nimiedades la película es bastante divertida. No exige mucho ni a los actores ni a los espectadores. Quizás, como dijo un amigo mío, simplemente se trate de una película entretenida de derechas. Yo le pongo un 6 como forma de entretenimiento, y un 4 como obra artística. Escoged la nota que queráis.

Superada la resaca de los oscar puedo decir que entiendo que esta película no se alzara con los máximos galardones. El film, dirigido por Paul Thomas Anderson, es un retrato de la América de finales del siglo XIX, y trata sobre la vida y milagros de Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), un autodenominado empresario petrolero que adopta un niño con el único motivo de utilizarlo para proyectar una imagen familiar.

La historia empieza con un encadenado de escenas sin apenas diálogo en donde se nos muestra la ascensión del personaje a la vez que se nos sitúa en un entorno hostil e inóspito como lo era el lejano oeste en esos tiempos. Poco a poco y de forma elegante se introduce la historia con sus diferentes personajes. Descubrimos y entendemos sus motivaciones, y empezamos a sentir la tensión que emana de Daniel Day-Lewis.

Todo en la película está encaminado a reforzar esta tensión. A destacar dos cosas: la ambientación que hace que sintamos la rudeza del entorno; y el diseño sonoro que nos transmite de forma magistral el ritmo, la impetuosidad y la epicidad de la historia.

Entonces, en un momento dado, entra en escena el predicador Eli Sunday (Paul Dano). Un muchacho que tiene la meritoria habilidad de hipnotizar a sus feligreses con sus discursos. Éste es para mi el personaje más interesante y bien interpretado. Juntos, Daniel Day-Lewis y Paul Dano forman una dupla que nos deja varias escenas para el recuerdo y que consigue vertebrar la película mediante tres únicos momentos, sus tres enfrentamientos directos.

Por desgracia, y aquí empieza lo malo, esta relación solo conforma aproximadamente un tercio de la película, y el film empieza a perder interés cuando nos adentramos en la poco trabajada historia del hijo y el intrascendente capítulo del hermano. Es cierto que se trata de una adaptación (de la novela de homónimo título There will be blood) y que estos sucesos hacen avanzar la historia, pero también es cierto que Paul Thomas Anderson se pierde en planos innecesariamente largos y escenas con apenas diálogo. Y así, lo que podrían ser perfectamente dos horas, acaban convirtiéndose en tres… y un servidor de repente se da cuenta de que está sentado en un cine que le ha costado demasiado caro (7 euros me parecen un abuso) y eso es lo peor que te puede pasar en una película.

Quizás, una de las diferencias más claras entre la literatura y el séptimo arte es que en la primera no se requiere de un final redondo para dejar satisfecho al lector. Puede acabar bien o mal, o simplemente sin que se resuelva el conflicto. En cambio al tipo de cine que se ve en esta película le exigimos que acabe de una forma redonda; sino cerrada sí trascendente y parte del todo. Y ahí Paul Thomas Anderson no ha hecho ninguna concesión y nos muestra el momento más intenso del film en una suerte de prólogo. A mi modo de ver se equivoca, es demasiado tarde y carece de importancia para el espectador porque se desvincula de la narración que nos ha tenido en vilo durante tres horas. Ya no podemos estar implicados emocionalmente, hemos abandonado a los personajes.

A esta sensación le tenemos que añadir la apatía que, por merito o demérito de Daniel Day-Lewis, acaba provocando el protagonista. Y ya cuando entendemos el porqué del título en ingles (Aquí habrá sangre) nos parece de lo más intrascendente.

En definitiva, aunque un poco lenta, se trata de una buena película que podríamos enmarcar en este cine de descripción de personaje y entorno que últimamente ha dado tan buenos resultados en los oscar, a saber, Monster o Brokeback Mountain. Y como no podía ser de otra manera, el actor Daniel Day-Lewis se hizo con la estatuilla… y a mí me sabe mal porque uno de los iconos del cine independiente como Paul Thomas Anderson ha acabado haciendo cine comercial, bueno a la par que predecible. Yo le pongo un 7.

Una grata sorpresa. Ese sería el subtítulo si lo hubiera.

No soy ningún fan de Tim Burton. Aunque reconozco su genialidad en títulos míticos como sus dos Batmans o “Eduardo manos tijeras”, también creo que es capaz de lo peor entre lo peor como en el caso de “Charlie y la fábrica de chocolate” o el remake de “El planeta de los simios”.

Esta vez Tim vuelve a dirigir en su terreno: un cuento lleno de fantasía, oscuridad, monstruosidad y humor cínico. Y es que éste es un autor que ha creado un estilo propio al que yo defino escuetamente como “búsqueda constante de la belleza en la fealdad”. Es un recurso lo suficientemente extenso como para que aún no lo haya agotado… y que le dure…

Sin embargo en este caso tenemos que añadirle la complejidad de trabajar en el género del musical (y de alguna forma subvertirlo). Cabe decir que tanto él como los actores se desenvuelven bastante bien.

La película, adaptación de un guión de Broadway, entremezcla varios géneros. Tiene apariencia externa de film de terror pero rápidamente descubrimos que se trata más bien de una comedia un poco gore. Pero además, la historia acaba con un trágico giro de guión. Y para acabarlo de arreglar cantan. Por tanto se trata de una comedia dramática musical de terror. Toda una proeza estructurada gracias a un guión hecho a la medida del director, unas bonitas canciones y unas interpretaciones notables. Yo destacaría a Alan Rickman que, una vez más, demuestra ser el malvado perfecto.

En resumen la ambientación es excelente, la historia formidable y los personajes bien trabajados. Tim Burton no aporta nada nuevo pero conjuga los anteriores elementos creando un todo bastante entretenido y narrativa y formalmente muy logrado. Por último diré, en contra de lo que muchos pensarán, que la sangre es muy necesaria para dar el toque de obscenidad que requiere la película y sin la cual no nos podríamos reír de su truculencia y por tanto ni nos reiríamos.

Yo le pongo un 6,7.

“No es país para viejos” es la última película de los hermanos Coen y el film que se supone va a arrasar en los Oscar. Aunque es una buena película tengo mis dudas al respeto.

¿Por qué? ¿Por qué teniendo una película tres cuartos entretenida la estropean el último cuarto? ¿Por qué no se olvidaron de que era una adaptación y crearon un final acorde con el resto del film? ¡Si hay algo en lo que son expertos los Coen eso es en los finales redondos! Consiguen, siempre en los últimos compases, dar un sentido trascendente a todas sus películas que, por otra parte, están repletas de escenas memorables que se defenderían por si solas. Pero esta vez no, esta vez el último cuarto arruina el resto de la película. Salimos del cine con la sensación de que está mal resuelta y de que es un poco reiterativa.

El film mantiene muchas similitudes con Fargo en ciertos aspectos, también con Arizona Baby. Lo cierto es que los Coen han repetido una fórmula que dominan y han conseguido escenas verdaderamente buenas. La película es en esencia un duelo de inteligencia entre perseguidor y perseguido. Ofrece además un punto de vista externo como es el del policía interpretado por Tommy Lee Jones que, en un momento determinado, se pregunta el porqué de tanta violencia. Calcadito a Fargo. Así, a nivel interpretativo creo personalmente que Javier Bardem está a la altura de Steve Buscemi, pero ni Tommy Lee Jones alcanza a Frances McDormand embarazada, ni Josh Brolin (el perseguido) a William H. Macy.

Cinematográficamente lo dicho. Los Coen son unos maestros y siempre aportan algo. Esta vez nos sumergen en un mundo donde perseguir el rastro de una persona por los desiertos de Estados Unidos es una tarea asequible si eres un asesino infalible (hay ciertos momentos en los que no tragas). Con sus característicos toques de humor ácido, unos diálogos que rayan la perfección y un estilo visualmente chocante consiguen crear una constante tensión digna del mejor Hitchcock. La película nos desarma y nos deja bien dispuestos para recibir un final que no llega. Y es una verdadera lástima. No voy a desvelar nada de esas alturas de la película, simplemente añadir que Bardem se merece el oscar y que es una película que se ha de ver.

Yo le pongo un 7,5 porque soy incondicional de los Coen.

Esta película rumana, ganadora de la palma de oro en la edición del 2007, es una obra excepcional. Dirigida por Cristian Mungiu forma parte de esta (ya no nueva) ola de cine que no ofrece concesiones al espectador. Cámara en mano, con un guión crudo y muy bien trabajado por los actores la película se nos va metiendo en los huesos sin demasiada dificultad.

Me resulta complicado hablar del film sin compararlo con otro más convencional. Por ejemplo cojamos Juno (crítica más abajo). En estos momentos están los dos en cartelera, y los dos tienen el mismo punto de partida.

Pues bien, “4 meses…” es la antítesis de Juno. Donde ahí hay diálogo aquí silencios repletos de sentido. Donde ahí hay humor aquí drama. Donde ahí se nos muestra la bondad de las personas aquí su maldad más enfermiza. En definitiva, Juno es cómoda y “4 meses…” es incomoda.

¿De qué va “4 meses…”? Podría decirse que habla de la fuerza de voluntad, o de la amistad. Yo creo que es más bien un estudio de la condición humana. De las acciones y de sus reacciones inevitables en situaciones extremas. Los personajes consiguen crear un gran nivel de empatía en cuanto podemos comprender al instante el cúmulo de sentimientos que pasan por sus cabezas. Los diálogos trabados entre las dos amigas, o la justificable incomprensión del novio de la protagonista se me antojan, por lo menos a mi, muy realistas. A destacar el increíble personaje del médico, seguramente uno de los papeles más atractivos de interpretar para cualquier actor. Representar al demonio y a al salvador en un solo personaje puede dar mucho juego, y en esta película está muy bien explotado.

Sobre la estructura general de la película quiero subrayar las elipsis narrativas y los continuos momentos de suspense que provocan que los acontecimientos de la historia sean imposibles de prever y a su vez desbordantemente lógicos.

Por último destacar el fuerte componente de crítica de la película que nos muestra un contraste chocante entre unos personajes intelectuales, universitarios, europeos; y una régimen con unas leyes de lo más retrogradas. Por tanto, además y por encima de todo lo que hemos dicho, ésta es una película valiente.

Yo le pongo un 8.

Otra peli indie. Esta vez sin embargo se me ocurren muchos más adjetivos para describirla. Juno es: bonita, cursi, divertida, ingeniosa, costumbrista, optimista, demasiado optimista, plana y por supuesto muy indie.

La historia es un canto a la normalidad; a los hechos cotidianos tomados sin grandes aspavientos; a la manera “normal” de reaccionar de la gente. Eso es lo bueno de Juno. Además los actores lo hacen bien dentro de su papel.

Sin embargo toda moneda tiene su reverso. En el film se crea un contexto de realidad donde los personajes dicen cosas muy inteligentes y coherentes. Pero el cómo lo dicen es, sobretodo al principio, demasiado ingenioso. Los continuos chistes y la hiper perspicaz manera de hablar de la protagonista (Juno) nos recuerdan en algunos momentos a un capítulo de friends en radical.

También podría afirmarse que ahonda poco en el problema. Nos presenta un mundo sin malos. Donde lo malo es la situación. Pero es que en este caso la situación tampoco se nos pinta horrible. Está bien que se haya hecho una película de este tema con este punto de vista. Pero las motivaciones de la chica para tomar la decisión que toma me parecen un poco “ligeras”

Spoiler (no leáis esto si no habéis visto la película)

Juno toma la decisión de abortar. Sin embargo y debido a un repentino ataque de ansiedad decide tener el hijo porque no se fía de la clínica. Creo que se explota poco este conflicto moral que, desde mi punto de vista, es la decisión más importante de toda la película. Espero no descubrir dentro de un tiempo que la iglesia esta detrás (o algo así).

Fin del spoiler

Para acabar, lo que más agradezco de esta película es la exposición de un nuevo prototipo de personaje, de unos nuevos iconos cinematográficos que sin duda van a marcar tendencias. Los protagonistas están revestidos de una fina patina de frikismo (el suficiente para incitar a los jóvenes a imitarlos) pero actúan de una manera soberanamente bienintencionada y normal (no intentan suicidarse, no lloran cada dos por tres, no se gritan ni se pegan ni hacen cosas incomprensibles). En especial el personaje de Juno me parece un modelo femenino a seguir por su inteligencia, humildad, honestidad y, para que engañarnos, porque va y es ella la que se liga al chico.

En definitiva, Juno no es una gran película, pero nos presenta a unos bellos personajes. Le pongo un 6,9.

Por cierto, el cartel español de la película es criminal.

A continuación os presento el primer cortometraje de mi hermano. Un éxito en su universidad porque, no pudiendo considerarse un corto en toda regla, hizo una cosa bastante original en comparación con el resto. Se trataba de explicar en 1 minuto el ser humano perfecto. El ejercicio emula al corto de Lars Von Trier de idéntico título y que da pie a la ingeniosa película “Los cinco desafíos”.